HANATSU miroir

Olivier Maurel

Olivier Maurel a étudié aux conservatoires de Rennes (Analyse, histoire de la musique) avec Olivier Fiard et de St Malo avec Bruno Lemaître où il termine son cursus (prof. Sejourné, Riedinger, Fougeroux) avec les félicitations du jury.
En parallèle de ses études, il nourrit son parcours de rencontres avec Jean Geoffroy, She-e Wu, Nigel Shipway, Fabrice Marandola, Steve Shick, Christian Dierstein…

Musicien en recherche de ponts entre les esthétiques et les pratiques, il étudie également le violon et les ondes Martenots, collabore dans des formations de musiques traditionnelles et des projets de musiques électroniques avant d’intégrer l’ensemble Linea en 2008. En parallèle de son activité d’interprète, il compose pour le théâtre et les arts plastiques.

En 2010 il fonde avec la flûtiste Ayako Okubo l’ensemble HANATSU miroir, dont l’une des particularités est le travail multi-disciplinaire autour d’un répertoire contemporain.
Il est également soliste des Percussions de Strasbourg depuis 2015 et moitié du duo électrique Ork qu’il développe avec Samuel Klein depuis 2013.

Son parcours au sein de ces différentes formations l’a amené à créer et interpréter de nombreuses pièces de compositeurs reconnus ou en devenir (Andreyev, Tejera, Cacciatore, Xu Yi, Farhang, Posadas, Manoury, Boulez, Ferneyhough, Kampela, Paag, Cendo, Dumont, ERikm, Sakai …) et à se produire sur tous les continents.

Ayako Okubo

Ayako Okubo est née à Fukui, dans l’ouest du Japon. Elle s’initie très tôt à ce qui deviendra une passion, puis plus tard un métier dans la passion.Très vite elle quitte le Japon afin de poursuivre ses études en Europe ou elle atterrit à Arnhem, puis Amsterdam et enfin Strasbourg où elle se perfectionne dans la classe de Mario Caroli.

Depuis son arrivée en Europe, elle n’a pas cessé son activité de musicienne au Japon et y retourne fréquemment afin d’y jouer en soliste ou en ensemble.

Elle fait partie depuis 2009 de l’ensemble strasbourgeois Accroche Note et participe régulièrement à des concerts, festivals et tournées avec eux. Elle fonde en 2008 l’ensemble HANATSU Miroir avec le percussionniste Olivier Maurel et s’occupe depuis de sa direction artistique.

Entre curiosité pour le nouveau répertoire et recherche de sonorités et espaces nouveaux, Ayako Okubo est un électron libre dans le riche univers de la musique contemporaine.

Noëllie Poulain

Noëllie Poulain débute son parcours par la danse classique au Conservatoire de Toulouse. Puis poussée par son désir de découvrir de nouvelles formes d’expression corporelle, elle entre en 2007 au CNSMDP en danse contemporaine et y suit les cinq années d’études marquées par l’apprentissage d’un large répertoire et de nouvelles connaissances théoriques, et surtout en matière d’interprétation artistique, d’improvisation et de chorégraphie.

Elle s’essaye à la scène par le biais des ateliers chorégraphiques du CNSMDP dans lesquels elle interprète nombre de compositions des élèves,et pour lesquels elle écrit notamment le quatuor Tatakaï no taïko (tambour de guerre).
Elle rencontre également des chorégraphes, dont le japonais Yutaka Takei de la compagnie Forest Beats, avec lequel elle continue de travailler aujourd’hui. Sa dernière année au CNSMDP, appelée Junior Ballet lui permet de se produire en tournée dans des pièces de répertoire.

Touchée dès le début de ses études, par la puissance transmissive de la danse, elle obtient le Diplôme d’Etat de professeur de danse contemporaine
au CND de Pantin en 2014, et y voit la possibilité de mêler champs chorégraphique et domaine pédagogique dans une même orientation.

Dans une optique de travail étroitement liée à la musique, elle écrit des compositions en collaboration avec le compositeur Benjamin Attahir, Les bruits imperceptibles dont est fait le silence , ou encore enregistre un texte écrit pour le chanteur Loïc Vera mis en musique par le musicien Thomas Gomez, La colère vient de toute voix.

Intéressée par d’autres médiums artistiques, elle intègre à son travail chorégraphique, d’autres modes d’expression, arts plastiques, cinéma ,etc, dans la problématique de toucher le public à partir d’un espace/temps différent que celui de la scène dite à l’italienne. Elle explore un mouvement et un déploiement dans l’espace qui laisse trace d’une certaine plasticité, et amène par le biais de la vidéo, une nouvelle appréhension du public que celle
éphémère de la scène.

Raphael Siefert

L’éclairagiste strasbourgeois Raphael Siefert s’est formé au long de son parcours auprès de différentes compagnies de théâtre après avoir travaillé pour une société de production de documentaires.

  Sa passion pour le cadrage vidéo et la pyrotechnie fait de lui un technicien polyvalent qui sait s’adapter aux exigences du spectacle vivant.

  Sur le projet Mizu No Wo, les ambiances épurées ont été guidées par la rencontre avec les différents artistes musiciens, danseur, peintre et vidéaste.

  La rencontre entre théâtre traditionnel japonais, musique contemporaine et performance plastique a permis le mariage d’atmosphères dures et statiques avec des séquences rythmées et plus colorées.

Zahra Poonawala


Traditionnellement les circuits de production et de diffusion tendent à organiser une séparation entre les espaces dédiés aux arts visuels et ceux des arts musicaux. Zahra Poonawala cherche au contraire à marier les sensations et à trouver un mode d’expression en rapport avec sa double formation de plasticienne et de musicienne. Elle interroge la naissance de l’harmonie, cette étincelle qui fait qu’un son devient l’objet d’une expérience spatiale, avec sa densité, sa présence, ou son absence.

Elle œuvre à le mettre en scène au moyen de procédés qui s’inventent et se complètent au fil des œuvres de vidéo (Bouquet Final, 2005, Symphonie Inouïe 201), performances musicales (Quatuor pour Violoncelle Seul 2008), scénographie (Nuages Insolubles, 2009), projets internet audiovisuels (Public Address System, 2009), et installations sonores (L’orchestre décomposé 2007, Le Repos du Crieur Public 201). Elle a été formée dans le groupe de travail Hors Formats à l’école supérieure des arts décoratifs de Strasbourg et sa dernière oeuvre sonore interactive «Tutti» (2012), est le fruit de sa deuxième année passée au Fresnoy, Studio national des arts contemporains, Tourcoing.

Mail : contact@zahrapoonawala.org

site web: www.zahrapoonawala.org

Leo Maurel

Installé en tant que luthier à Dangolsheim en Alsace, à 30 km de Strasbourg., Il invente et fabrique des instruments non standards pour les musiciens en quête d’interfaces instrumentales spécifiques, et travaille principalement sur le principe d’archet continu de la vielle à roue.

  De 2006 à 2009 il a suivi le cursus des Beaux Arts de Paris dans l’atelier de sculpture de Giuseppe Penone, et y a pratiqué le dessin, la photo, la performance, la musique improvisée et s’est initié à la lutherie. Mené par sa passion, il tisse des liens avec plusieurs luthiers en lutherie traditionnelle, Thomas Norwood, Henri Renard, Jean Noël Rohé, qui l’accompagnent dans son apprentissage autodidacte de la lutherie.

  Parallèlement, il continue à développer des projets collectifs de réappropriation de l’espace urbain, de recherche sur l’improvisationcollective, notamment dans le cadre des rencontres artistiques MONC se tenant à Bergerac, et du La.M.O. (Laboratoire de Musique Organique).

  Léo Maurel joue des instruments qu’il invente, puisant son jeu entre les racines médiévales de la vielle à roue, les problématiques moyen orientales des musiques modales, et la musique bruitiste. Il a participé récemment à un concert de Christine Ott, professeur d’ondes Martenot à Strasbourg, et mène un duo avec la danseuse Pénélope Laurent Noye avec lequel il s’est produit dans le cadre de l’évènement « Film exposé » en janvier 201 à Montreuil.

http://violonaroue.fr

Fabien Kuhn

Autodidacte de l’ampoule, il fait ses armes sur des scènes bercées par le pop-rock et la musique metal. Au fil de ses nombreuses collaborations avec la scénographe Marie-Anne Bacquet ; il dérive doucement dans un univers plus abstrait, ou la lumière, plus que jamais au service de la scénographie le pousse toujours un peu plus loin.

Univers mêlé de petites bidouilles et d’installations non conventionnelles, c’est bel et bien un style qui lui plaît et dans lequel il se développe.

Yon Costes

Jeune peintre-performer diplômé d’un Master 2 en Arts Plastiques à l’Université Rennes 2 en 2006, le travail de Yon Costes est basé sur la conjonction entre le mouvement et la matière, ainsi que sur la porosité des frontières disciplinaires et esthétiques. Il travaille des codes séculaires et signifiants pour les déporter et créer des espaces qui s’adaptent aux lieux ou projets interrogeant le corps, socle commun et témoin de notre époque.

La question de l’héritage invite naturellement les œuvres de Yon Costes à faire se partager les savoirs, les cultures et les disciplines autour de la pratique d’expositions, de performances, de vidéos témoins et de réalisations infographiques. Sans aborder spécifiquement les événements d’actualité, Yon Costes dégage des liants, établit des repères, écrit l’impermanent. Il cherche à donner du sens à la création comme s’il s’agissait d’une valeur morale indispensable, la « marque d’un immédiat  » révélateur d’une mutation changeante – celle de notre personne – liée, tel que nous le précise Maria Tucker dans phénaumanologie, à la relation que nous entretenons avec le monde que nous habitons.

Spécialisé dans le domaine martial sur le plan corporel, extrême-oriental concernant l’esthétique et universitaire concernant l’aspect théorique, l’artiste use de ces influences pour évoquer ses racines et sa culture – celle qu’il s’est construite et celle de l’héritage : « l’Unique qui embrasse l’Universel ».

http://www.yon.book.fr

Marie-Anne Bacquet

Plasticienne et scénographe, Marie-Anne Bacquet a étudié les arts numériques à l’Académie des Arts d’Islande et la scénographie à l’ école des Arts Décoratifs de Strasbourg. Elle travaille pour plusieurs compagnies théâtrales et musicales et a créé en 2008 le collectif de performance en vidéo d’animation « Live Animated Orchestra ».

Toute sa recherche porte sur la dématérialisation des images, par la vidéoprojection sur des objets flottants ou insolites, ou par l’intégration de l’artiste composant la vidéo en temps réel afin de créer un décalage entre l’image et ses moyens de construction.

Mais son amour pour la musique la pousse à se familiariser avec les lois de la reproduction sonore et de l’acoustique. Elle apprend au gré des projets, à créer des espaces dédiés à l’écoute.

Sa quête pourrait donc se résumer en cette phrase : faire de l’espace le médium qui réconciliera les yeux et les oreilles…

Reto Staub

Reto Staub étudie le piano avec Thomas Herbut à l’Université de Berne, section Arts, et participe à des sessions de musique de chambre aux côtés de Reinbert de Leuw, Maurizio Kagel et l’Ensemble Modern.

Il découvre la clarinette avec Kurt Weber et suit une formation en jazz auprès de William Evans. Il intègre des cours de théâtre musical avec Georges Aperghis et Françoise Rivalland. Enfin, Verena Bosshart, Pierre Sublet, Pierre-Laurent Aimard, Peter Donohoe auront une impulsion décisive sur son travail.

En 2006-2007, il est boursier de l’International Ensemble Modern Academy à Francfort/Main. Il est membre de l’Ensemble Nikel, de l’Ensemble Linea (depuis 2007) et se produit également avec l’Ensemble Modern. Dans ce cadre, il a joué dans la plupart des pays européens et au Moyen Orient, et a participé aux festivals Wien Modern, Klangspuren, Champs Libres et Ultraschall. Il joue également dans un groupe de musique improvisée, Humour`s Humidity et collabore avec la troupe de danse „Hermesdance“.

Reto Staub enseigne à la Musikschule de Baden (Suisse).

Thomas Monod

Thomas Monod étudie la clarinette avec Laurent Berthomier à l’ ENM de Colmar où il obtient un D.E.M et poursuit sa formation avec Armand Angster au CRR de Strasbourg où il obtiendra successivement un prix supérieur interrégional, un prix de spécialisation sur la clarinette basse et un 1er prix de musique de chambre.

Il intègre ensuite la Hochschule fur Musik de Bern (Suisse) dans la classe d’Ernesto Molinari, où il se perfectionne sur toutes les clarinettes et obtient un «Solistendiplom» en 2003. Ses différentes rencontres lui ont permis d’aborder et de se perfectionner dans beaucoup de styles de musique, notamment dans la musique contemporaine.

Il est dédicataire de plusieurs pièces pour clarinette solo, de compositeurs tels que Christophe Bertrand , Nikos Koutrouvidis, Sven ingo Koch ….

Thomas Monod travaille régulièrement avec l’orchestre symphonique de Mulhouse et l’orchestre philharmonique de Strasbourg en tant que clarinettiste supplémentaire. Il participe à de nombreux concerts avec l’ensemble modern de Frankfurt. En 2006 il est choisi par le Klangforum Wien pour jouer une saison au sein de l’ensemble. Il pratique la musique de chambre dans toutes les formations et styles de musique, allant de K. Stamitz a P. Dusapin.

Anil Eraslan

Anil Eraslan, violoncelliste né en 1981 en Turquie, se forme au Lycée des Beaux Arts d’Ankara, avant d’intégrer le Conservatoire de Strasbourg. Il nourrit son travail de sa double culture, fusionnant dans son répertoire improvisation, musique contemporaine, jazz et musiques traditionnelles.

 Improvisateur actif dans de nombreux projets internationaux, il a pu collaborer avec des musiciens tels que Michael Moore, Axel Dörner, Tobias Delius, Karl Berger, Adam Rudolf, Anne La Berge, Oguz Büyükberber, Trilok Gurtu, Saadet Türköz, Christine Ott, Le Quan Ninh, Göksel Baktagir, Izzet Kizil…

Il joue actuellement dans plusieurs groupes avec John Lindberg, Sumru Agiryürüyen, Ayse Tütüncü, Eric Groleau, Sylvain Kassap et se produit avec des ensembles tels que; Linea, Hanatsu Mirroir, Ovale, Auditive Connection, Le Flamant Bleu. Egalement compositeur, il signe les musiques du film ‘La fin du Silence’ (France) et du documentaire ‘Tmmob, Komsu Rokan Var Mi’ (Turquie) ainsi que des plusieurs projets de théâtre, de compte, et de danse.

Artiste associé au théâtre l’Illiade à Illkirch (2012 – 2015), il est également en résidence au CEAAC (Centre Européen d’Actions Artistiques Contemporaines) mais aussi à Berlin en 2012 et à OMI Art Center à New York en 2013. Il poursuit en parallèle une carrière de photographe.

http://www.anileraslan.com/

Stephane Clor

Stéphane Clor commence la musique en autodidacte par la basse électrique au sein de formations rock puis se tourne rapidement vers l’étude de la contrebasse, fortement influencé par le jazz et les musiques improvisées.

  En 2006, il intègre la classe de musiques à improviser du Conservatoire de Strasbourg, dont il obtient son diplôme en avril 201. Il poursuit actuellement ses études musicales au sein de l’Académie supérieure de musique de Strasbourg ainsi que dans le département de musique classique et du Pôle son du Conservatoire.

  Improvisateur, compositeur et interprète, il réalise différents projets autour de la musique instrumentale allant de l’improvisation libre (Duo Eraslan/Clor), au jazz (Min Gus) passant par le rock (Spoune) ou encore la musique savante (ensemble Volutes). Il s’intéresse aussi tout particulièrement aux musiques électroacoustiques et électroniques (Na++Cl-, Poésie 8.0, Hyperkarma).

  Curieux de définir sans cesse de nouveaux terrains de jeux, Stephane Clor collabore à différents projets interdisciplinaires avec la danse (Rice Ship 2.0), les arts plastiques (Sonarc, Duo avec Johanny Melloul) ou le théâtre (Compagnie Indigo, Inédit Théâtre, Théâtre de L’Oignon).